When You’re Strange. Una película de The Doors, 31 de enero y 1 de febrero

Narrado por Johnny Depp, When You’re Strange realiza un recuento cronológico de la carrera de los Doors, una de las bandas más legendarias e influyentes de la historia del rock. A través de una gran cantidad de materiales de archivo provenientes de distintas fuentes, el documental, presentado en el Festival Sundance, analiza algunos momentos clave en la vida de los integrantes de la agrupación californiana, desde su formación a mediados de los sesenta, hasta la muerte de su mítico vocalista, Jim Morrison, en julio de 1971.

Dir: Tom DiCillo País: EUA Año: 2009 Guión: Tom DiCillo Fotografía: Color y Blanco y Negro Música: The Doors Edición: Micky Blythe, Kevin Krasny Con: Prod: John Beug, Tim Deluca, Jeff Jampol Duración: 86 mins. Clasificación: A

Declaración del director:

Acepté con emoción desde el instante en que me propusieron hacer una película sobre los Doors. Los productores aún no tenían idea de lo que querían hacer con la gran cantidad de material que habían conseguido: sólo sabían que debían ponerlo todo junto y formar algo. Inconscientemente, los Doors ha sido mi banda favorita desde que los escuché por primera vez, cuando tenía 14 años. Cada vez que los escucho siento como si los descubriera de nuevo. Existe un halo de misterio en torno a la banda, algo inexplicable que hasta nuestros días parece indefinido. A través de esta película, intenté descifrar algunas cosas.
                                                                                                                                                                                                                             Tom DiCillo

Topo (Himizu), 29 y 30 de enero

Yuichi Sumida es un chico de preparatoria cuya única aspiración en la vida es ser un hombre ordinario y vivir una vida tranquila, aunque su situación familiar sea caótica. En compañía de Keiki Chazawa, su compañera de clase, deberá hacer frente a una realidad donde, un incidente que no puede borrar de su vida, lo convierte en un tipo obsesivo por sancionar a la gente perversa de una sociedad sumida en la desesperación, a causa del terremoto sucedido en Japón y el miedo a la amenaza nuclear.

Dir: Shion Sono País: Japón Año: ´2011 Guión: Shion Sono, basado en el manga homónimo de Minoru Furuya Fotografía: Color Música: Tomohide Harada Edición: Junichi Ito Con: Sh?ta Sometani (Yuichi Samida), Fumi Nikaid? (Keiki Chazawa), Tetsu Watanabe, Mitsuru Fukikoshi, Denden. Prod: Haruo Umekawa, Masashi Yamazaki Duración: 129 mins. Clasificación: B-15

Declaración del director:
Antes de que la producción comenzara, sucedieron el terremoto y los accidentes en las plantas atómicas [en Fukushima], así que me vi en la necesidad de modificar el guión que estaba escribiendo hasta ese momento. Sentí urgencia por capturar esta realidad de alguna manera dentro de la historia. Para mí fue una experiencia realmente intensa y ruda estar al mando de esta película y vincularla con el mundo real que estaba pasando delante de mis ojos en ese momento.

Shion Sono 

Premios:
2011 Premio Marcello Mastroianni al mejor actor joven (Sh. Sometani y F. Nikaid?). Muestra Internacional           del Arte Cinematográfico. Venecia, Italia.

Elena, 27 y 28 de enero

Elena y Vladímir se casaron siendo mayores. Cada uno tiene hijos de su matrimonio anterior. Cuando Vladímir sufre un infarto comienza a valorar sus últimos días de modo distinto, se acerca a su hija, Katerina, y decide dejarle todos sus bienes. Para Elena, que tiene orígenes humildes y un hijo, Serguéi, desempleado y con familia propia que le pide dinero constantemente, la noticia resulta muy sombría. Motivada por su descendencia, decide dejar de ser una esposa sumisa para dejarles algo a los suyos.

Dir: Andréi Zviáguintsev País: Rusia Año: 2011 Guión: Oleg Neguin Fotografía: Color Música: Philip Glass Edición: Anna Mass Con: Nadezhda Márkina (Elena), Andréi Smirnov (Vladímir), Yelena Liádova (Katerina), Alekséi Rozin (Serguéi). Prod: Aleksándr Rodnianski Duración: 109 mins. Clasificación: B

Declaración del director:
A pesar de todo, las mujeres siguen siendo muy dependientes el día de hoy: dependen del dinero, de los maridos... Aún vivimos en una sociedad patriarcal. Pero no digo esto por medio de una protesta. Es sólo una observación. La verdad es que Elena eligió algo solita. Está consciente de qué está haciendo y de qué cosas nunca la dejarán tranquila.

Andréi Zviáguintsev

Premios:
2011 Premio especial del jurado de la sección Un certain regard. Festival de Cannes. Francia

Indiferencia, 25 y 26 de enero

La vida de varios maestros y alumnos de secundaria es observada durante semanas a través de la mirada de un misterioso maestro sustituto, quien abandona su puesto justo antes de entablar cualquier tipo de lazo afectivo con alguien. Aunque pareciera el empleo perfecto para alguien que pretende pasar desapercibido, su situación sufre un gran trastorno al permitir que tres mujeres, muy diferentes entre sí, entren en su vida. La búsqueda de la felicidad en un mundo despiadado y una delirante visión del decadente sistema educativo estadounidense son las fuerzas que mueven este largometraje considerado como uno de los más depurados ejemplos del buen cine independiente norteamericano.

Dir: Tony Kaye País: EUA Año: 2011 Guión: Carl Lund Fotografía: Color Música: The Newton Brothers Edición: Michelle Botticelli y Barry Alexander Brown Con: Adrien Brody (Henry Barthes), James Caan (señor Seaboldt), Betty Kaye (Meredith), Sami Gayle (Erica), Christina Hendricks (señorita Madison), Marcia Gay Harden (directora Carol Dearden), Blythe Danner (señora Perkins) Prod: Austin Park, Greg Shapiro, Carl Lund, Bingo Gubbelmann y Adrien Brody Duración: 100 mins. Clasificación: C

Declaración del director:
Tony Kaye ha moldeado un retrato estilizado de varios personajes que toman distancia de los demás pese a que anhelan el contacto con los otros. Adrien Brody, por su parte, captura de forma magnífica la complejidad psicológica de su personaje, utilizando la sutileza intimista para transmitirnos la sensación de vivir en un mundo habitado por criaturas que deciden ignorar al prójimo mientras ellas mismas son ignoradas.

Premios:
2011    Premio de la Crítica Internacional y premio Révélation Cartier. Festival de Cine Estadounidense de Deauville. Francia.

Fausto, 23 y 24 de enero

Un profesor comienza a impacientarse por las limitaciones religiosas impuestas sobre el conocimiento científico, por lo que está listo para vender su alma a cambio de la iluminación intelectual. Sokúrov hace una adaptación libre de la clásica novela de Goethe. El filme abre la puerta a un mundo lleno de metáforas, simbolismo visual, diálogos detallados, movimientos de cámara artísticamente elaborados y nos lleva a un viaje en la compañía de un demonio que está listo para satisfacer cualquier deseo.

Dir: Aleksandr Sokúrov País: Rusia Año: 2011 Guión: Aleksandr Sokúrov, Marina Kóreneva y Yuri Arábov basado en el libro homónimo de Johann Wolfgang von Goethe Fotografía: Blanco y Negro Música: Alexander Zlamal Edición: Jörg Hauschild Con: Johannes Zeiler (Fausto), Antón Adasinski (prestamista), Isolda Dychauk (Gretchen), Georg Friedrich (Wagner), Hanna Schygulla (esposa del prestamiesta), Antje Lewald (madre de Gretchen), Florian Brückner (Valentin).  Prod: Andréi Sigle Duración: 134 mins. Clasificación: B-15

Declaración del director:
Fausto es el capítulo final de la tetralogía cinematográfica sobre la naturaleza del poder. Los tres principales personajes en las tres primeras películas son figuras históricas reales: Adolf Hitler [Moloch, 1999], Vladímir Lenin [Telets, 2000] y el emperador Hirohito [Solntse, 2005]. La imagen simbólica de Fausto completa esta serie de grandes jugadores que perdieron la más importante apuesta de sus vidas. Fausto está aparentemente fuera de lugar en esta galería de retratos, de personajes casi como de museo, es un personaje literario enmarcado por un argumento simple. Entonces, ¿qué tiene en común con estas figuras históricas que ascendieron a la cima del poder? Un amor por las palabras que les permite convencer y una infelicidad patológica en todos los días de la vida. Lo maligno se puede reproducir y Goethe lo proclama cuando dice: "La gente infeliz es peligrosa".

Aleksandr Sokúrov

Premios:
2011 León de Oro. Muestra Internacional del Arte Cinematográfico. Venecia, Italia

Había una vez en Anatolia, 21 y 22 de enero

Un grupo de hombres sale de un pueblo con la misión de encontrar un cadáver enterrado en algún punto de la estepa anatolia. Uno de ellos asegura ser culpable y, por lo tanto, saber dónde está el cuerpo. Cavan y no está. La búsqueda continua, pero cada vez se vuelve más complicada y la culpa comienza a diluirse entre todos. El paisaje, fotografiado a menudo con muy poca luz, es de nuevo un aspecto central en esta cinta de Ceylan, que además está habitada por la sombra de Antón Chéjov.

Dir: Nuri Bilge Ceylan País: Turquía-Bosnia Año: 2011 Guión: Ercan Kesal, Ebru Ceylan y Nuri Bilge Ceylan Fotografía: Color Música: Edición: Bora Gök?ingöl y Nuri Bilge Ceylan Con: Muhammet Uzuner (doctor Cemal), Y?lmaz Erdo?an (comisario Naci), Taner Birsel (abogado Nusret), F?rat Tan?? (Kenan).  Prod: Zeynep Özbatur Atakan Duración: 150 mins. Clasificación: B

Declaración del director:
Conozco muy bien a esta gente porque mi papá era uno de ellos, un burócrata de pueblo. [...] Pero la película no está basada en mis recuerdos. Es más que eso. Uno de mis coguionistas fue uno de ellos también. Es doctor y en Turquía tienes que pasar dos años en lugares remotos de Anatolia para obtener tu licencia. Él trabajó en el pueblo que sale en la película. [No] se acordaba de la razón del asesinato ni de dónde estaba enterrado el cuerpo exactamente, pero se acordaba de la atmósfera.

Nuri Bilge Ceylan

Premios:
2011 Gran Premio del Jurado. Festival de Cannes. Francia

El chico de la bicicleta, 19 y 20 de enero

Cyril, que pronto cumplirá doce años, sólo tiene una idea en mente, encontrar a su padre que le ha colocado temporalmente en un hogar para niños. Por casualidad conoce a Samantha, la joven dueña de una peluquería, quien acepta hospedarlo en su casa durante los fines de semana. Pero Cyril no se da cuenta todavía del amor que Samantha siente hacia él, un amor que es necesario para calmarlo de su ira.

Dir: Jean-Pierre y Luc Dardenne País: Bélgica-Francia-Italia Año: 2010 Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne Fotografía: Color Música: Edición: Marie Hélène Dozo Con: Cécile de France (Samantha), Jérémie Renier (Guy Catoul), Fabrizio Rongione (vendedor de libros), Egon Di Mateo (Wes), Olivier Gourmet (dueño del café). Prod: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Denis Freyd Duración: 87 mins. Clasificación: A

Declaración del director:
Tuvimos la historia en la cabeza por mucho tiempo: una mujer que ayuda a un chico a salir de la violencia que lo mantiene prisionero. La primera imagen era de este joven, este manojo de nervios apaciguado, calmado gracias a otro ser humano. Primero imaginamos a Samantha como una doctora, pero decidimos hacerla una peluquera asentada en el vecindario desde hace ya mucho tiempo. [...] Nos imaginamos un triángulo geográfico para este filme: la ciudad, el bosque y la gasolinera. El bosque es atractivamente peligroso para Cyril, es el lugar donde aprendería a convertirse en ladrón. La ciudad encarna el pasado con su padre y el presente con Samantha. La gasolinera es un lugar de transición donde el argumento da muchas vueltas. Quisimos construir la película como una especie de cuento de hadas, con malosos que hicieran que el chico perdiera las ilusiones, y con Samantha, que se aparece como una suerte de hada madrina. Por un tiempo pensamos llamar al filme Un cuento de hadas para nuestros tiempos.

 Jean-Pierre y Luc Dardenne

Premios:
2011 Gran Premio del Jurado. Festival de Cine de Cannes. Francia.
         Premio a la mejor dirección. Festival de Cine Flaiano. Pescara, Italia.

Venus negra, 17 y 18 de enero

En 1817, el anatomista Georges Cuvier, miembro de la Real Academia de Medicina de París dijo ante el molde del cuerpo de Saartjie Baartman: “Jamás hemos visto cabeza humana más parecida a la de un mono”. Siete años antes, Saartjie dejaba Sudáfrica junto con su amo, Caezar, para ser expuesta como fenómeno de circo ante el público londinense de la época. Libre y esclava al mismo tiempo, la “Venus hotentote” se convirtió en un icono para el bajo mundo de Europa, destinada a ser sacrificada en búsqueda de una febril visión de prosperidad.

Dir: Abdellatif Kechiche País: Francia-Bélgica Año: 2010 Guión: Abdellatif Kechiche Fotografía: Color Música: Edición: Camille Toubkis, Ghalya Lacroix, Laurent Rouan, Albertine Lastera Con: Yahima Torres (Saartjie), Andre Jacobs (Hendrick Caezar), Olivier Gourmet (Réaux), Elina Löwensohn (Jeanne), François Marthouret (Georges Cuvier).   Prod: Charles Gilibert, Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz Duración: 162 mins. Clasificación: C

Declaración del director:
La psicología limita nuestro entendimiento del ser humano. La apariencia de una persona puede revelar mucho más sobre las sutilezas de la naturaleza humana, que cualquier explicación psicológica. Saartjie es un misterio, eso fue lo que en un principio llamó mi atención. No conocemos realmente sus motivos, tan sólo sabemos sobre su viaje de Sudáfrica a Europa, sus apariciones en público, su bautizo, su caso ante la corte de Londres y el tiempo que pasó con los científicos franceses. El resto son fragmentos dispersos; y son estos espacios vacíos que resultan tan interesantes para la película. Al preservar la sensación de misterio en torno a ella, la audiencia se ve obligada a imaginar y a buscar por su cuenta las respuestas.

 Abdellatif Kechiche

Le Havre: el puerto de la esperanza, 15 y 16 de enero

Tras casi seis años de no dirigir, Aki Kaurismäki traslada su irónico humor escandinavo a la Francia de los años 50 con esta primera parte de una trilogía ambientada en ciudades portuarias de Europa. Escogida por Finlandia para competir por el Óscar a mejor película extranjera, Le Havre es una comedia negra sobre la solidaridad e inmigración europea, a partir de un limpiabotas que acoge a un adolescente africano perseguido por la policía y a quien ayuda a cruzar el Canal de la Mancha.

Dir: Aki Kaurismäki País: Finlandia-Francia-Alemania Año: 2011 Guión: Aki Kaurismäki Fotografía: Color Música: Edición: Timo Salminen Con: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty), Jean-Pierre Darrousin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette), Quoc Dung Nguyen (Chang).   Prod: Aki Kaurismäki Duración: 103 mins. Clasificación: A

Declaración del director:
Le Havre envía un claro mensaje al público que fue la génesis del filme: Europa no está reaccionando a un problema gigantesco, que es la inmigración y que no sólo afecta a zonas más obvias como Italia, Grecia o España. Estamos atontados. África está marcada con unas fronteras falsas gracias al Reino Unido, y de aquellos polvos vienen estos lodos.

Aki Kaurismäki

Premios:
2011   Premio de la crítica internacional FIPRESCI. Festival de Cannes. Francia.
  Mejor película extranjera. Festival Internacional de Cine de Múnich. Alemania.
  Nominada al Óscar a mejor película en lengua extranjera. Academia de las Artes y las   Ciencias Cinematográficas. Hollywood, Estados Unidos.

Carlos, 13 y 14 de enero

El venezolano Ilich Ramírez Sánchez, mejor conocido como Carlos, “El chacal”, fue un personaje clave en la historia del terrorismo de los años 70 y 80. Considerado por algunos como un emblema de la extrema izquierda romántica, es recordado por otros como un mercenario oportunista y arrogante. Concebida como una miniserie de tres capítulos, pero sintetizada en una versión para cine de 140 minutos, esta superproducción marca un giro inesperado en la carrera del reconocido cineasta francés Olivier Assayas.

Dir: Olivier Assayas País: Francia-Alemania Año: 2010 Guión: Olivier Assayas y Dan Frank Fotografía: Color Música: Edición: Luc Barnier y Marion Monnier Con: Édgar Ramírez (Ilich Ramírez Sánchez), Nora von Waldstätten (Magdalena Kopp), Alexander Scheer (Johannes Weinrich).  Prod: Frank Lehmann y Jens Meurer Duración: 140 mins. Clasificación: C

Declaración del director:
Si combinamos la duración, las limitaciones en el presupuesto, la complejidad política y los problemas de realizar un filme en el Medio Oriente, nos damos cuenta de que Carlos significó un gran reto para todos los que participamos en el proyecto. Para llevar a cabo la cinta, tuvimos que luchar por cada auto, cada bicicleta y cada atuendo utilizado. Fue casi como estar en una guerra durante todo el rodaje. Al final, creo que eso le dio a la película la energía y el enfoque que tiene.

Oliver Assayas

Premios:
2010 Mención honorífica del premio de la crítica. Festival Internacional de Cine de São Paulo. Brasil.

2011 Premio a la mejor edición. Premios Europeos de Cine. Berlín, Alemania

        Globo de Oro a la mejor miniserie o película hecha para la televisión. Globos de Oro. Los Ángeles,         Estados Unidos.

        César al actor revelación (Édgar Ramírez). Academia de las Artes y Técnicas Cinematográficas.              París, Francia.

El hombre de al lado, 11 y 12 de enero

Un muro es capaz de dividir dos maneras muy distintas de entender el mundo. Cuando las barreras que nos separan se derrumban, el tomar conciencia de las vidas de los otros puede provocar un gran trastorno. Esto sucede a los protagonistas de este filme, un vulgar vendedor de autos y su vecino, un refinado diseñador que vive en la única casa que Le Corbusier diseñó en América Latina. El filme relata la forma en la cual, al quedar expuestos uno ante el otro, fluyen entre ellos emociones que encaminan sus destinos hacia lo inesperado.

Dir: Mariano Cohn y Gastón Duprat País: Argentina Año: 2009 Guión: Andrés Duprat Fotografía: Color Música: Sergio Pangaro Edición: Jerónimo Carranza y Klaus Borges Con: Daniel Aráoz (Víctor), Rafael Spregelburd (Leonardo), Rubén Guzmán, Eugenia Alonso, Inés Budassi, Lorenza Acuña, Eugenio Scopel. Prod: Fernando Sokolowicz y María Belén de la Torre Duración: 103 mins. Clasificación: B

Declaración del director:
[El hombre de al lado] muestra la falta de comunicación entre sectores culturales distintos. Lo diferente que puede ser alguien a uno, a pesar de que viva a dos metros de tu casa. Cómo te afecta esa diferencia, el miedo a lo distinto, al que come distinto, al que escucha otra música, al que viste distinto. Esa imposibilidad de comunicación que nos pasa a todos. También habla de la verdadera ideología que tiene la gente a pesar de la ideología que dice o cree tener. Todos problemas que nos atañen, por eso los podemos contar. No es una mirada extranjera la nuestra.

                                                                                               Gastón Duprat

Premios:
2009    Premio a la mejor película argentina. Festival de Cine de Mar del Plata. Argentina.
2010    Premio a la mejor fotografía en la Competencia Internacional. Festival de Cine Sundance. Park           City, Estados Unidos.
           Mejor dirección y actuación masculina (R. Spregelbrud y D. Aráoz). Festival de Cine                              Latinoamericano de Lérida. España.
           Mejor película, dirección, guión original, música, actuación masculina y actor revelación (D.                    Aráoz). Academia Argentina de Artes y Ciencias Cinematográficas. Buenos Aires, Argentina.

2011    Cóndor de Plata a mejor guión original, música original y actor (D. Aráoz). Asociación Argentina    de Críticos de Cine. Buenos Aires, Argentina.

Confesiones en el diván, 9 y 10 de enero

Plagado de celos, Gustav Mahler recurre a la ayuda y consejo de Sigmund Freud, después de enterarse del romance entre Alma, su esposa, y el joven arquitecto Walter Gropius. Esta película presenta una ficción reinventada de la reunión entre el aclamado compositor y el renombrado psiquiatra. La estructura de la cinta está balanceada entre las escenas de Mahler con Freud, flashbacks que trazan la infidelidad de Alma e intercortes con testimonios de otros personajes que se dirigen a cámara para comentar los eventos descritos.

Dir: Percy Adlon, Felix Adlon País: Alemania-Austria Año: 2010 Guión: Percy Adlon, Felix Adlon Fotografía: Color Música: Gustav Mahler Edición: Jochen Künstler Con: Johannes Silberschnieder (Gustav Mahler), Barbara Romaner (Alma Mahler), Karl Markovics (Sigmund Freud), Friedrich Mücke (Walter Gropius), Eva Mattes (Anna Sofie Schindler-Moll), Lena Stolze (Justine Mahler-Rose), Lena Stolze (Justine Mahler-Rose), Nina Berten (Anna von Mildenburg). Prod: Eleonore Adlon y Konstantin Seitz Duración: 105 mins. Clasificación: B

Declaración del director:
Queríamos hacer algo dedicado a Mahler por sus dos grandes conmemoraciones: los 150 años de su natalicio en 2010 y su centenario luctuoso en 2011. Supimos de la increíble historia de una famosa carta que Mahler le escribió a su esposa Alma durante una crisis matrimonial y del encuentro entre el músico y Sigmund Freud durante unas vacaciones de éste en Holanda. Felix encontró en la música que Mahler compuso en medio de su angustia su principal inspiración para realizar el filme. Yo quise saber más de Alma, esa "mujer fatal" casada con un genio, y de cómo era en su juventud.

Percy Adlon

En un mundo mejor, 7 y 8 de enero

El cine de Susanne Bier habla de pérdidas familiares, incomunicación e ira. Un filme sobre la violencia que analiza la naturaleza de la venganza y la dificultad para lograr el perdón. Anton es un médico que trabaja en un pequeño pueblo en Dinamarca así como en los campos de refugiados en África. Su hijo mayor, Elias, sufre de bullying en la escuela hasta que llega en su defensa Christian, hijo de Claus. Los chicos se hacen amigos, pero un acto de venganza organizado por Christian podría tener consecuencias trágicas.

Dir: Susanne Bier País: Dinamarca-Suecia Año: 2010 Guión: Anders Thomas Jensen Fotografía: Color Música: Johan Söderqvist Edición: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm Con: Mikael Persbrandt (Anton), Trine Dyrholm (Marianne), William Jøhnk Nielsen (Christian), Markus Rygaard (Elias), Ulrich Thomsen (Claus), Wil Johnson (Najeeb).  Prod: Sisse Graum Jørgensen Duración: 113 mins. Clasificación: B-15

Declaración del director:
Es como si hubiera un velo entre los vivos y la muerte. A veces el velo se levanta cuando pierdes a una persona cercana y amada. Entonces se ve a la muerte muy claramente durante un instante. Luego el velo vuelve a caer, sigues viviendo y se pasa.

Susanne Bier

Premios:
2011 Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera. Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood. Los Ángeles, Estados Unidos.

        Óscar a la mejor película en lengua extranjera. Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Los Ángeles, Estados Unidos.

2011 Bodil a la mejor actriz. Asociación Nacional de Críticos de Cine. Copenhague, Dinamarca. 

Las razones del corazón, 5 y 6 de enero

 Cansada de vivir con un marido fracasado y asfixiada por su maternidad mal llevada, un ama de casa es víctima de una crisis emocional que se agudiza cuando sus deudores la dejan sin nada. Ante su abismo personal, ella toma una decisión para aliviar su pena. Inspirados en Madame Bovary de Gustave Flaubert, el cineasta Arturo Ripstein y su guionista Paz Alicia Garciadiego reflexionan sobre las formas en las que el amor se vuelve desesperación a través de un melodrama llevado hasta sus últimas consecuencias.

Dir: Arturo Ripstein País: México-España Año: 2011 Guión: Paz Alicia Garciadiego, inspirada en Madame Bovary de Gustave Flaubert Fotografía: Blanco y Negro Música: David Mansfield Edición: Alejandro Ripstein Con: Arcelia Ramírez (Emilia), Vladimir Cruz (Nicolás), Plutarco Haza (Javier), Patricia Reyes Spíndola (doña Ruti), Alejandro Suárez (Jasper), Pilar Padilla (Jacquie), Carlos Chávez (fumigador).  Prod: Roberto Fiesco y José María Morales Duración: 119 mins. Clasificación: B-15

Declaración del director:
Me pareció fascinante ver alrededor de la desesperación del amor. A mi edad ya lo veo de otro modo que cuando era un cineasta joven. Llega un momento en que el amor no es tan importante como dicen, pero la gente se muere por él. El acontecimiento de morir de amor me parece infinitamente más interesante que la idea del amor.

Arturo Ripstein

El caballo de Turín, 3 y 4 de enero

El caballo de Turín

Se cuenta que Friedrich Nietzche, ya desquiciado, en una visita a Turín se abrazó a un caballo que era aporreado por su dueño tras ponerse rejego. Tarr y Krasznahorkai un día se preguntaron qué habría pasado con ese caballo e imaginaron la historia. El caballo es el único medio de sustento de un padre y su hija, pero está viejo y pronto ya no les servirá. La consciencia sobre ese final es el eje dramático de esta película, que además llega con la leyenda de que será la última que Béla Tarr filme.

Dir: Béla Tarr y Ágnes Hranitzky País: Hungria-Francia-Alemania-Suiza-EUA Año: 2011 Guión: Béla Tarr y László Krasznahorkai Fotografía: Blanco y Negro Música: Mihály Víg Edición: Ágnes Hranitzky Con: Janós Derzsi (Ohlsdorfer), Erika Bók (la hija de Ohlsdorfer), Mihály Kormos (Bernhard).  Prod: Gábor Téni Duración: 146 mins. Clasificación: B

Declaración del director:
El caballo de Turín se trata del peso de la existencia humana. De cómo es difícil vivir la vida diaria y de la monotonía de la vida. No queríamos hablar de la mortalidad ni de nada general. Sólo queríamos ver lo difícil y terrible que es tener que ir todos los días al pozo a traer agua, en verano, en otoño... Todo el tiempo. La repetición diaria de la misma rutina hace posible mostrar que algo está mal. Es algo simple y puro.

Béla Tarr

Fuera de Satán, 1 y 2 de enero

Un vagabundo sin nombre encuentra refugio en una playa vacía en el norte de Francia y establece una relación con una extraña joven, convirtiéndose en su protector. Cuando comienzan unos asesinatos la policía investiga, pero la pareja permanece al margen de todo. Mediante una narrativa minimalista, este drama, casi una parábola, ofrece momentos de gran belleza y de violentas reacciones. Actores no profesionales y largas tomas sirven para enmarcar emociones extremas.

Dir: Bruno Dumont País: Francia Año: 2011 Guión: Bruno Dumont Fotografía: Color Música: Edición: Bruno Dumont y Basile Belkhiri Con: David Dewaele (hombre), Alexandre Lematre (mujer), Valerie Mestdagh (la madre), Aurore Broutin (mochilera), Sonia Barthélemy, Juliette Bacquet. Prod: Jean Bréhat, Rachid Bouchareb, Alexander Emmert, Muriel Merlin Duración: 110 mins. Clasificación: B-15

Declaración del director:
La tensión entre lo visible y lo encubierto y entre lo presente y lo ausente es lo que más me interesa al hacer cine... Existe una atrevida conexión entre el cine y la religión... quiero decir que eso también sucede con el cine cuando vemos una película, o sea, que para poder sumergirnos en esa experiencia debemos creer en la presencia de lo ausente que tenemos en frente de nuestros ojos.

Bruno Dumont

Premios:
2011 Premio La Edad de Oro. Cineteca Real de Bélgica. Bruselas, Bélgica.

53 Muestra Internacional de Cine

La 53 Muestra Internacional de Cine, uno de los eventos más importantes que ofrece la Cineteca Nacional, contará con 26 sedes a lo largo de la república y exhibirá, del 4 al 25 de noviembre, 18 filmes originarios de Francia, Bélgica, Turquía, Alemania, Rusia y España, entre otros.
La cinta encargada de abrir la edición será “Las Razones del Corazón”, película mexicana dirigida por Arturo Ripstein y protagonizada por Arcelia Ramírez, que cuenta con la participación especial de Plutarco Haza y Patricia Reyes Spíndola, está basada en la novela “Madame Bovary” de Gustave Flaubert.
De las 18 cintas elegidas, siete películas fueron adquiridas por la Cineteca: “Venus Negra” (2010), de Abdellatif Kechiche, “Carlos” (2010), de Oliver Assayas, “Había una vez en Anatolia” (2011), de Nuri Bilge y “Fausto”, de Alexandr Sokúrov (2011).
También se consiguieron los derechos de “Topo” (2011), de Shion Sono, “Elena” (2011), de Andréi Zviáguintsev y “Misterios de Lisboa” (2010), de Raúl Ruiz, que cuenta con nueve capítulos para televisión pero se proyectará la versión cinematográfica de cuatro horas.
Mientras que algunas de las nuevas sedes de la muestra en la zona metropolitana serán Tlatelolco, La Casa del Cine, en el centro de la ciudad, El Teatro San Benito Abad, entre otras.
Las películas también saldrán al interior de la república a partir del 7 de diciembre, presentándose en la Ciudad de Mérida, Córdoba, Orizaba y Oaxaca.
En conferencia de prensa, Arcelia Ramírez, quien encarna a una mujer maniaco depresiva en la cinta de Ripstein, expresó estar “sorprendida y muy contenta de tener a un personaje de esa envergadura en las manos”.
También comentó que es muy difícil someterse a los desafíos que se enfrenta como actriz, en este caso, por los planos secuencia tan largos y textos elaborados que buscaba plasmar el director.
Roberto Fiesco, productor de “Las Razones del Corazón”, señaló que uno de los grandes gustos y placeres que se tiene siempre es la muestra de cine y participar como profesional en esta muestra le da un enorme gusto.